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            波普藝術 以瑪麗蓮·夢露爬上頂峰

            • 來源:時尚北京
            • 關鍵字:波普藝術,瑪麗蓮·夢露
            • 發布時間:2017-03-02 14:18

              波普藝術受眾面最廣,其中最負盛名的當屬影星瑪麗蓮·夢露的頭像。瑪麗蓮·夢露香消玉殞后不久,有位畫家以那位不幸的好萊塢性感影星的頭像,作為畫面的基本元素,一排排地重復排立。畫家先在畫布上畫出部分圖像,然后將絲網置于畫布圖像之上,再用橡膠滾軸蘸取黑色油墨在絲網上滾動,產生畫布上照片般的影像。油墨絲印這種粗糙的印刷方式產生顆粒與條紋狀的暗影與色點,使得原始照片的完美風采出現污損,暗示了一種對美之脆弱與死之必然的焦慮。

              那幅畫產生的時代背景是上世紀60年代,一個被稱為“雅皮士”——那是一群特立獨行的人,他們有著共同的特點——長發,大胡子。色彩鮮艷的衣著或不尋常的衣飾。聽一定的音樂,比如杰米·亨得里克斯和杰菲遜飛艇的幻覺性的搖滾樂、詹妮斯·喬普林的布魯斯、斯萊和斯通家族、ZZ頂級樂隊、死之民樂隊等的音樂。自由戀愛,公社式的生活。“雅皮士”作為新興階層登上了消費社會的舞臺,他們是二戰后出生的年輕人,沒有父輩痛苦的人生經歷,崇拜偶像。

              《瑪麗蓮·夢露》大規模地印刷名人頭像的藝術品,就是在拷問,當一個偶像的相片被不斷地用令人不安的顏色無限復制,它還會引起人們崇拜嗎?當一個藝術家完全在作品中消除自己的技術手法,大眾們還會對他的作品買賬嗎?色彩簡單、整齊單調的一個個夢露頭像,就像是一面鏡子,試圖照出當時人們心中無可奈何的空虛與迷惘。

              這幅畫的作者是安迪·沃霍爾。他聲稱夢露是好萊塢的性感象征,她的面孔被奉為女性美的規范。他沉迷于這位女明星的耀眼風采,通過機械復制的創作手法,他試圖消解個體藝術家的才華和技巧。但每個重復的夢露頭像其實又充滿著微小的差異,畫面上的油彩部分是手工繪制,畫面的效果也遠遠不同于時尚雜志攝影那經過后期潤飾的完美狀態。

              電影紅星瑪麗蓮·夢露的照片的泛濫,標志著美國社會大眾的趣味。借用這種手法來說明,此類大眾趣味正像他這幅畫一樣,在大批量地被制造出來,直至你感到厭倦為止。

              波普設計打破了二戰后工業設計局限于現代國際主義風格的過于嚴肅、冷漠、單一的面貌,代之以詼諧、富于人性和多元化的設計,它是對現代主義設計風格的具有戲謔性的挑戰。設計師在室內、日用品、家具、服飾和平面設計等方面的設計上,進行了大膽的探索和創新,表現出前所未有的形式:夸張、奇異、富于想像力的造型;色彩單純、鮮艷;材料多選用塑料或廉價的纖維板、陶瓷等。其設計掙脫了一切傳統束縛,具有鮮明的時代特征。其市場目標是青少年群體,迎合了現代青年的桀驁不羈、玩世不恭的生活態度及其標新求異、用畢即棄的消費心態。

              波普藝術是當今較底層藝術市場的前身。它的創作特征是直接借用產生于商業社會的文化符號,進而從中升華出藝術的主題。它的出現不但破壞了藝術一向遵循的高雅與低俗之分,還使藝術創作的走向發生了質的變化。波普藝術特殊的地方在于它對于流行時尚有相當特別而且長久的影響力。不少服裝設計,平面設計師都直接或間接的從波普藝術中取得或剽竊靈感。

              波普藝術是流行藝術的簡稱,又稱新寫實主義,因為波普藝術的POP通常被視為“流行的、時髦的”一詞popular的縮寫。它代表著一種流行文化。20世紀50年代初萌發于英國,50年代中期鼎盛于美國。

              波普藝術一詞最早出現于1952~1955年間,由倫敦當代藝術研究所一批青年藝術家舉行的獨立者社團討論會上首創,批評家L.阿洛維酌定。他們認為公眾創造的都市文化是現代藝術創作的絕好材料,面對消費社會商業文明的沖擊,藝術家不僅要正視它,而且應該成為通俗文化的歌手。在實踐中有力地推動這一思潮發展的藝術家是R.漢密爾頓。1956年,他在首屆“這是明天”的個人展覽會上陳列出握有“POP”字母的網球運動員的拼集作品。這幅作品成了波普藝術的一面旗幟。畫里有藥品雜志上剪下來的肌肉發達的半裸男人,手里拿著像網球拍般巨大的棒棒糖;有性感的半裸女郎,其乳頭上還貼著閃閃發光的小金屬片;室內墻上掛著當時的通俗漫畫《青春浪漫》,并加了鏡框;桌上放著一塊包裝好的“羅杰基斯特”牌火腿;還有電視機、錄音機、吸塵器、臺燈等現代家庭必需品,燈罩上印著“福特”標志;透過窗戶可以看到外邊街道上的巨大電影廣告的局部……這一切都可以通過那個半裸男人手中棒棒糖上印著的三個大寫字母得到解釋:POP。

              漢密爾頓為“波普”這個詞下了定義,即:流行的(面向大眾而設計的),轉瞬即逝的(短期方案),可隨意消耗的(易忘的),廉價的,批量生產的,年輕人的(以青年為目標),詼諧風趣的,性感的,惡搞的,魅惑人的,以及大商業。

              漢密爾的波普藝術的始祖,而正在使波普藝術揚名立萬的,卻是安迪·沃霍爾。他被譽為20世紀藝術界最有名的人物之一,是波普藝術的倡導者和領袖,也是對波普藝術影響最大的藝術家。他大膽嘗試凸版印刷、橡皮或木料拓印、金箔技術、照片投影等各種復制技法。沃霍爾除了是波普藝術的領袖人物,他還是電影制片人、作家、搖滾樂作曲者、出版商,是紐約社交界、藝術界大紅大紫的明星式藝術家。

              沃霍爾的第一件創作是可口可樂。“你在電視上看到可口可樂時,你可以知道總統喝可口可樂,利茲·泰勒喝可口可樂,你也可以喝可口可樂。你喝的可口可樂和別人喝的一樣,沒有錢能使你買到比街頭流浪漢喝的更好的可口可樂。所有的可口可樂都是一樣的,所有的可口可樂都是好的。”他琢磨著,為什么可口可樂不能成為藝術品?緊接著,有著番茄、牛肉、蛤蜊等多種口味的坎貝爾濃湯罐頭也進入了他的繪畫領域。1962年7月,沃霍爾以32幅《金寶罐頭湯》系列畫作舉辦了自己的首個波普藝術展,至今這32罐罐頭仍在世界現當代美術史上占據一席之地。畫面上,呈現出來的圖案簡潔明朗,帶有一種干凈的、幾何形的、機械的模式,碩大的logo宣告著它的商品身份。以往的畫家盡管也多在描繪生活,但聚焦的多是莊稼、牛車、鮮花、水果,而將可口可樂、罐頭甚至美元、明星等商業對象置于畫布中央,在當時是巨大的創意。這完全打破了高雅與通俗的界限。

              與此同時,沃霍爾還嘗試以膠片制版和絲網印刷,將藝術納入“復制”、“量產”程序。他將自己位于紐約東區47大道的銀色工作室稱為“工廠”,在這里,藝術和商業融合在了一起,所謂的藝術品被置于流水線下生產,對藝術技巧和原創性的摒棄得到了進一步強化。他的作品沒有“原作”可言,全是復制品,他就是要用無數的復制品來取代原作的地位。并且只要別人付錢,他就愿意幫助其生產版畫、海報或者廣告。很多作品甚至根本就是他的助手完成的,名字則是他的母親代簽的。

              上世紀70、80年代,沃霍爾的影響力簡直無孔不入:先后推出《安迪沃霍爾電視秀》及《安迪沃霍爾的十五分鐘》兩套電視節目,參與美國綜藝節目《周六夜現場》,為搖滾樂隊制作音樂片,并在時裝秀及無數平面和電視廣告中亮相。他毫無忌諱地應用和開拓了多種媒介和表現可能,涉足眾多不同的領域,設計、繪畫、雕塑、裝置、錄音、電影、攝影、錄像、文字、廣告……不變的是,對于所處時代的高度敏感。

              沃霍爾生前曾揚言,在潮流急轉的世代,再當時得令的人與事也最多只有十五分鐘的知名度,潮流壽命還比不上用完即棄的紙尿片或安全套。

              沃霍爾的破格藝術觀仍持續影響“后現代”的藝術文化取向,雖然他曾自謙地稱:“I don’t think my arthas any lasting value。”但藝術價值不同藝術價格,它往往超越拍賣行的叫賣,真正的價值在于能刺激和衍生出更多藝術生命。

              藝術其實就是用來顛覆的。

              文/寒一一

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